Andy Goldworthy in der Royal Scottish Academy in Edinburgh

Die „Scottish Academy“ wurde 1826 von einer Gruppe von elf Künstlern gegründet. Ihr Ziel war es, eine Akademie der Schönen Künste zu gründen, die kostenlos unterrichtet, jährlich eine Ausstellung für alle bedeutenden Künstler präsentiert und eine Bibliothek für die Schönen Künste unterhält.

Das Gebäude der Royal Scottish Academy wurde 2004 wiedereröffnet und ist heute ein Ausstellungsraum von Weltklasse. Die unterirdische Gartenebene beherbergt eine Reihe von Besuchereinrichtungen und Bildungsräumen. Das Gebäude der Royal Scottish Academy beherbergt heute eine Vielzahl von Ausstellungen, die von den National Galleries of Scotland, der Royal Scottish Academy of Art and Architecture und anderen organisiert werden.

Wo?

The Mound, Edinburgh, EH22EL

https://www.royalscottishacademy.org

2025 fand die bisher größte Indoor-Ausstellung von Andy Goldsworthy in den National Galleries of Scotland im Herzen Edinburghs statt. Die Schau umfasste über 200 Werke, darunter beeindruckende Installationen, die als Reaktion auf das ikonische Gebäude der Royal Scottish Academy (RSA) entstanden sind, sowie Zeichnungen, Fotografien, Filme, Skizzenbücher und Archivalien aus der Mitte der 1970er Jahre.

Goldsworthy ist international bekannt für seine Arbeit mit natürlichen Materialien wie Ton, Steinen, Schilf, Ästen, Blättern, Schnee und Eis. Über fünfzig Jahre hinweg hat er ein einzigartiges und einflussreiches Werk geschaffen, das unsere Beziehung zur Natur thematisiert. In „Andy Goldsworthy: Fifty Years“ wird die Natur in die schottische Hauptstadt gebracht.

Andy Goldsworthy: Fifty Years wurde vom Künstler als ein einziges, immersives Kunstwerk konzipiert, das auf den Raum, die Materialien und den Charakter des RSA-Gebäudes reagiert. Die Ausstellung, die alle oberen Räume und den größten Teil des Erdgeschosses einnimmt, ist sowohl schön als auch anspruchsvoll. Die Wechselwirkung zwischen Mensch und Land ist ein wiederkehrendes Thema in Goldsworthys Kunst und in der Ausstellung. Er stellt das Land oft als harten, feindlichen und brutalen Ort dar. Zäune und Barrieren spielen eine wichtige Rolle, in Form von rostigem Stacheldraht, der sich quer durch einen Raum spannt, und einer massiven, rissigen Lehmmauer. Wie in der Natur koexistieren Schönheit und Gefahr nebeneinander.

Obwohl Andy Goldsworthy eine der berühmtesten Persönlichkeiten der zeitgenössischen Kunst ist, werden seine Werke selten in Ausstellungen gezeigt. Er hat Auftragsarbeiten im Freien auf der ganzen Welt ausgeführt, vom Polarkreis bis nach Tasmanien, doch die Einbeziehung seiner Werke in Museen ist selten. Andy Goldsworthy: Fifty Years ist die mit Abstand größte und ambitionierteste Indoor-Ausstellung seiner Werke, die jemals in Angriff genommen wurde. Diese Ausstellung, die noch nie zuvor gezeigt wurde und nie wieder zu sehen sein wird, soll Goldsworthys Position als einen der führenden Künstler unserer Zeit festigen.

Besucher betreten das Gebäude über eine Treppe, die mit einem Teppich aus Schafswolle ausgelegt ist, die mit Dornen zusammengenäht ist. Ihre Brandzeichen sind eine schwindelerregende Vielfalt türkisfarbener, orangefarbener und violetter Tupfen auf der weißen Wolle, ihr Duft erinnert an einen feuchten Wintermarsch.

Zwischen zwei hohen und mächtigen Säulen wurden bei der RSA ein monumentales Geflecht aus altem Stacheldraht errichtet, der in braunem oder staubigem Blaugrau angelaufen ist. Es glitzert hier und da bedrohlich, und aus ihm dringt ein Geruch von Rost und Maschinenöl, der unwiderstehlich an industrielle Landwirtschaft erinnert.

Dies scheint zumindest Teil des Werkinhalts zu sein: eine moralische und politische Betonung, die mit Grenzen und Besitz zu tun hat und in Goldsworthys Kunst nicht immer präsent ist. Manche seiner Werke sind filigran, einfallsreich und sprechen Kinder wie Erwachsene gleichermaßen an. Sie sind aus dem gemacht, was sie umgibt: eine Mauer aus ausgedörrter Erde, ein Steinhaufen aus den umliegenden Steinen, ordentlich gestapeltes Holz wie die Baumstämme auf einer Veranda.

Neue Werke an beiden Enden der Eingangsgalerie haben die Form blasser Scheiben, umgeben von schlammigen Flecken; aufgehende, ländliche Sonnen.

Goldsworthys Gemälde wurden von Tieren geschaffen! Er nagelte ein paar Leinwände auf den Boden und platzierte in der Mitte einen runden Futterblock. Schafe fraßen von den Blöcken und trampelten Schlamm um sie herum, wobei das Wetter den Schmutz mehr oder weniger flüssig machte. Goldsworthy machte die Schafe zu unbeabsichtigten Künstlern.

Das eindrucksvollste Werk hier trägt auch die stärkste Bedeutung in sich. Es handelt sich um „Gravestones“ aus dem Jahr 2025. Eine Flut zerbrochener Steine ​​füllt den Boden einer Galerie und lässt sofort an kahle, aufgewühlte Felder oder die umgestürzten Grabsteine ​​eines alten Friedhofs denken. Und genau von solchen Friedhöfen stammen diese Steine. Die Toten haben diese Steine ​​– den roten Granit, der so stark an das Schottland der Aufklärung erinnert – einst verdrängt, und nun werden sie erneut verdrängt und hier als Gedenken an die Menschen der Vergangenheit versammelt. An einem dunklen Tag in Edinburgh, erhellt nur von der grabesähnlichen Düsternis der Galerie, erlebt man das Werk – und den Künstler – in Höchstform.

2019 wurde Goldsworthy gebeten, ein Werk für das Rockefeller Center in New York zu schaffen. Er fertigte 50 Flaggen an, eine für jeden US-Bundesstaat, jede mit der rötlichsten Erde gefärbt, die er in diesem Bundesstaat finden konnte. Flaggen kennzeichnen oft umkämpftes Land, doch er hoffte, dass diese Flaggen Grenzen überwinden und von Verbundenheit statt von Trennung sprechen würden.

Die riesige zentrale Galerie scheint zunächst mit einem Dickicht dunkler, hüfthoher Äste gefüllt zu sein, die wie in einem Märchen nach oben wachsen. Doch man kann offenbar hindurchgehen, denn andere schlendern in der Mitte entlang. Tatsächlich ist die Installation durch einen zentralen Weg geteilt, dessen Äste auf beiden Seiten so miteinander verflochten sind, dass sie sich vom Spaziergänger weg neigen. Es ist nicht zu erkennen, wie diese komplizierte Flechtkunst zustande gekommen ist, aber sie führt direkt zu einem abgelegenen, windgepeitschten Pfad.

Eine gigantische, sich windende Schlange schlängelt sich über eine Stirnwand, so scheint es zumindest. Tatsächlich besteht das, was Ihr seht, vollständig aus langen, gebogenen Stängeln von Frauenhaarfarn, die mit Weißdornspitzen aneinander – und an der Wand – befestigt sind; eine monumentale Zeichnung ohne eine einzige Linie oder Markierung.

In der nächsten Galerie hängen Tausende von Binsen von der Decke und bilden eine Art Grashütte. Doch im Inneren sind die hellen Stängel so angeordnet, dass sie Orgelpfeifen oder barocken Sonnenstrahlen aus glänzendem Metall ähneln; Natur, die sich der hohen Kunst verschrieben hat.

Für die nächste Arbeit siebte Goldsworthy 150 Eimer Lehmmatsch, um Steine ​​zu entfernen. Der getrocknete und wiederhergestellte Lehm wurde anschließend auf eine Wand aufgetragen, wo er beim Trocknen Risse bekam. Die Erde aus den Lowther Hills ist aufgrund ihres hohen Eisengehalts leuchtend rot. Aus demselben Grund ist auch unser Blut rot – eine weitere Erinnerung an unsere Verbundenheit mit der Erde.

Hier liegt eine düstere Schönheit, schlicht und unsentimental. Dieser hübschen rot-braunen Flecken auf drei grossen Blättern Papier ist das Blut eines Hasen - ein Unfallopfer, von Goldworty mit dem Auto überfahren. Der Künstler kehrte später zum Unfallort zurück, nahm den toten Hasen mit und nahm ihn zu Hause aus. Das Ergebnis hängt nun in der Ausstellung.

Goldsworthy hat sich zum Ziel gesetzt, täglich ein Kunstwerk zu schaffen, wobei er überwiegend natürliche Materialien verwendet. Obwohl die menschliche Hand in seinen Werken spürbar ist, verzichtet er auf künstliche Werkzeuge oder Klebstoffe und verlässt sich stattdessen auf seinen eigenen Speichel, Dornen oder andere organische Mittel zur Bildhauerei. In seinen Augen kann ein einzelnes Kunstwerk so flüchtig und vergänglich sein wie ein Regenschatten (eine Idee, die er seit 1984 erforscht) oder so robust und komplex wie zehn skulpturale Gebäude, die durch einen sechs Meilen langen Wanderweg in den North York Moors verbunden sind (auch bekannt als Hanging Stones). Trotz seines Impulses, intuitiv zu arbeiten, ist die Zeit nicht immer auf seiner Seite. Einen erheblichen Teil seiner Zeit verbringt er damit, andere davon zu überzeugen, dass seine physische Präsenz in der Landschaft keine Belastung darstellt. Hanging Stones (2015-), das in der Ausstellung anhand von Entwurfszeichnungen dokumentiert ist, wäre aufgrund wiederholter Ablehnungen durch die Planungsbehörde des Nationalparks, die schließlich aufgehoben wurden, beinahe an der Realisierung gehindert worden. Während dieses bürokratischen Prozesses wurde ihm Besessenheit vorgeworfen, worauf er gestand: „Natürlich bin ich das.“

Diese Ausstellung bestärkt uns darin, dass sich Goldsworthys Werk weiterentwickelt und dabei seinen Kern bewahrt. Und sie zeigt uns, wie wichtig Umweltkunst nach wie vor ist, weil sie einen notwendigen Dialog zwischen Mensch und Natur, zwischen Beständigkeit und Vergänglichkeit schafft. Goldsworthys Werk lädt uns ein, die Natur nicht nur zu beobachten, sondern an ihren Zyklen teilzuhaben, ihre Prozesse zu verstehen und unseren Platz darin zu erkennen. Seine Art, unsere Welt zu sehen und zu empfinden, findet heute mehr Resonanz als je zuvor.

Die Ausstellung beleuchtet einige von Goldsworthys wichtigsten Naturinterventionen aus einem Zeitraum von 50 Jahren. Fotografien und Filme konservieren seine flüchtigen Performances mit Beeren, Eis und Federn. Die Bilder dokumentieren introspektive Momente der Erkundung der Natur. Die meisten sind körperlich intensiv und psychologisch provokant, wie etwa als er in Seetang eintauchte, während Krabben an seinen Ohrläppchen knabberten, oder als er Brombeeren mit seinen Händen zerquetschte, bis sie wie Blut aussahen.

Die Vorbereitung der Ausstellung dauerte fünf Jahre, der Aufbau sechs Wochen. Für einen Umweltkünstler, der seine Arbeit nur ungern in Innenräume verlegt, weil er dadurch seine Verbindung zum jahreszeitlichen Rhythmus der Natur verliert, muss dies eine ziemliche Geduldsprobe gewesen sein.